Mixning och mastring av filmmusik samt tips på bästa pluggarna

Som vi skrivit om tidigare i artikelserien Så blev Isabelle framgångsrik inom spel- och filmmusik, så bor och jobbar Isabelle Engman i Los Angeles och försörjer sig på att skapa musik för film och spel. Hon jobbar endast med en Macbook Pro, ett midi-keyboard och ett par hörlurar (Audio-Technica ATH-M50). Hon använder Logic Pro X och förstås massor av ljudbibliotek och pluggar.

1. Överanvänd inte eq:n
Många ökar frekvenser eller skär bort så pass mycket att instrumenten låter platta. Jag använder eq i första hand för att ge instrumenten karaktär. I exemplet nedan använde jag en eq för att få fram lite mer karaktär i ett klarinettljud utan att det blir för skarpt. Jag minskade väldigt lite runt 250 Hz och ökade mellan 750 Hz–2 kHz. När det gäller orkesterinstrument, så handlar det inte om att omforma ljudet helt och hållet, utan om små fina justeringar för att skruva fram mer karaktär, och skapa ett mer autentiskt ljud i samplingarna.

Eq-inställning för klarinettljud.

Ett annat tips är att om du behöver mer bas eller något mer som fyller upp i det lägre mellanregistret, så istället för att använda en eq, pröva att lägga till tuba, fagott, kontrabas, pukor, eller en gran casa. Saknar du något i det högre registret, pröva att lägg till piccolaflöjt, tvärflöjt, celesta etc.

2. Skapa plats genom panorering och rumsklang
Att använda en ljudbilds utrymme rätt är A och O enligt mig när det gäller mixning generellt. Det kan göras genom panorering enligt orkestersättning, men reverb är också effektivt. Om det finns ett soloinstrument i stycket, så brukar jag lägga på mindre reverb på det instrumentet för att det ska låta närmare. Jag tycker att det bästa sättet att ge sina inspelningar utrymme, är att använda korta och långa reverb.

Om du vill ha mer rymd och realism, så är ett mindre torrt sound lösningen. För nära – det vill säga för lite reverb avslöjar brister – reverb kan hjälpa att ”dölja” både en svajig livespelning, men även mindre bra samplingar. Jag använder mig nästan uteslutande av reverben Lexicon Pro och Altiverb.

Om du går och lyssnar på en livespelning med orkester så sitter du inte med på scenen och lyssnar. Du ska höra lika mycket rumsklang som orkester. Till exempel så sitter brasset bakom stråket, vilket betyder mer reverb, medan stråkarna är närmare. När det gäller panorering så ser jag till att inga instrument överstiger mer än 50 procent åt vänster eller höger.

3. Orkester- och instrumentkunskap är halva grejen
Det finns många nybörjarfällor. Ett vanligt misstag är att man skriver brasstämmor i både hög tonhöjd och att de ska spela svagt. I verkligheten är det så att ju högre ett brassinstrument spelas, desto mer måste musikerna ta i, vilket innebär att det kommer låta onaturligt att spela väldigt svagt i ett högt register med ett brassinstrument.

4. Skapa multitimbrala instrument
När jag jobbar med stora projekt med minst 200 spår (till exempel låten Victory för Xbox) så skapar jag alltid multitimbrala instrument för att datorn ska orka. Därefter skapar jag individuella outputs för varje instrument via aux-spår, för att kunna automatisera de enstaka spåren. Lyssna på Victory här.

Kolla nedan på de ”instrument-setups” jag gjort. Detta är ett utsnitt från den template jag använder mest. Här ser du hur jag delar in orkestergrupper i olika färger, i ordning efter orkestersättning. (Längst ner ligger syntspåren).

5. Arbeta med automatisering för rätt karaktär vid orkestrering
Låten Victory är gjord till ett fitness-spel/program. Xbox samarbetade med Fitlife Productions för att göra cinematiska träningsvideor där filmmusik möter fitnessbeats i en apokalyptisk värld. Spelet släpps nu i mars.

Detta beat-baserade orkesterstycke är baserat helt på samplingar. När det gäller stråkar så använder jag för tillfället mycket av Spitfire Audios produkter och Symphonic Strings, blandat med LA Strings och Cinestrings. För brass är det nästan uteslutande Cinebrass från Cine Samples.

Jag vill att mixen ska låta så autentisk som möjligt och jobbar mycket med automatisering och keyswitches, där jag ritar in kurvor för att få autentiska karaktärer för expression, velocity med mera. Det är oerhört viktigt att veta hur instrumenten låter på riktigt och vad de är kapabla till – att vara ute på konserter och lyssna och tänka mycket på hur instrumenten låter var för sig och tillsammans är ett bra sätt. Ett vanligt misstag är att låta exempelvis träblåsinstrument klinga för länge utan uppehåll – musikerna behöver andas också, och vissa instrument är mer ansträngande att spela än andra, och kan vara olika ansträngande i olika tonlägen. Så det är väldigt viktigt att kunna orkestrering och arrangering.

Jag arbetar mycket med automatisering och då främst modulation – volym – expression – velocity. Se nedan exempel från Victory.

"Step Editorn i Logic är guld för mig. Om vi snackar realism är det något mer "musikaliskt" för mig personligen att ha detta grafiskt. I låten Victory används nästan ingen eq eller kompressor, det mesta av arbetet har jag lagt på automatisering/orkestrering.", säger Isabelle.

Ett tips är att experimentera med att justera attacken på samplingarna och ibland till och med ta bort attacken på vissa ljud. Det kan ibland få ljudet att låta ännu mer likt ett riktigt instrument, och du kommer bort ännu mer från ”samplingssoundet”. Många av ljudbiblioteken idag låter färdigmixade – jag jobbar försiktigt med eq och försöker i första hand rensa upp i basregistret även när det gäller samplade ljud. De tar för stor plats i ljudbilden annars – framför allt brass kan man skära bort mycket av i basen (upp till cirka 200 Hz).

Samplingar som används i Victory

• 8dio, hybrid – effekter, “pulser”.
• Hybrid two, Project Bravo – effekter, drum beats.
• Project Alpha – effekter, drum beats.
• Heavyocity, Gravity, DM-307 – ambienser, beats.
• The dark zebra – ambienser och effekter.
• Stråk: Spitfire Symphonic, Cinestrings och LA Scoring Strings – Från Spitfire Symphonics använder jag främst Legato, Spiccato och soloinstrument. Från Cinestrings använder jag mer ensemble patches. Från LA Scoring Strings främst Spiccato.
• Percussion: Evolve, Damage, Tonehammer (Epic toms), Symphobia, 8dio (Taiko, Frame Drums, Hybrid Tools).
• Brass: Cinebrass PRO (Min favorit! Det låter väldigt realistiskt!) – jag arbetar mycket med pitch bend, expression och velocity.

• Mastring: Izotope Ozone (multibandskompressor), jag använder dock oftast Waves C4 Multiband Compressor samt lite av Waves L1 Ultramaximizer.

Övriga samplingar och ljud Isabelle använder

• Native Instruments Komplete 10
• Spectrasonics Omnisphere, Trilian och Stylus RMX
• Sibelius (för notskrivning)

Tips vid mixning av liveorkester
1. Det viktigaste är att kolla fasen mellan varje instrumentspår. Börja alltid med att mixa från Decca tree och vidare till närmickarna. Det är viktigt att veta var varje specifik mikrofon är/var placerad. Mixning: koppla varje instrumentsektion till en buss – träblås till en buss, stråk till en, rumsklang till en och så vidare. Vid större klingande orkester (som i låten Rebirth) använde jag mer Decca tree. För comedy-stilen så vill man ha ett närmare sound. Använd till exempel mer närmickar. För livespelningar är det oftast bäst att nästan inte använda eq alls, men vill man att stråkarna ska ha ett lite "silkigare" ljud så kan man öka vid 10 kHz eller högre.

2. För högt, ”skrikigt” stråk: Du kan ibland använda en de-esser för att ta bort i det högre frekvensregistret, för att få det att låta mer "mellow".

Tips för mastring och mastringspluggar
Mcdsp Mc404 är en bra, men dyr mastringsplugg. Ett förslag är också att bygga en kedja med eq, kompressor (snällt ställd), imager (stereo spread), därefter en kompressor till som man ställer efter smak, men rätt hårt. Alternativt kan man använda Izotope Ozone 5.

Några av Isabelles pluggar vid mastring.

Andra favoritpluggar vid mastring av icke-orkestral musik
Fab Filter (Pro Q2), Kramer Master Tape, SSL Comp (Solid State Logic), Waves L3 Ultramaximizer

Om arbetet med låten Rebirth (musik till spel för Xbox)
Jag var inspirerad av Alexandre Desplats musik och ville gå lite åt det impressionistiska hållet, med svävande träblås och mycket ostinato. Det är inte temabaserat utan mer motivskrivet. Jag påbörjar nästan alltid musikskapandet genom att slänga ut en massa låtidéer som är på tre minuter och som loopas, och känner mig fram – och så landar det i en av de idéer jag tycker känns mest rätt för ändamålet. Musiken till detta spel är helt skapat med en liveorkester på 65 personer, och spelades in på Warner Brother Studios här i Los Angeles. Jag skrev ut allt på noter som orkestern fick. Lyssna på Rebirth här. Ladda ner partituret till Rebirth här.

Det viktigaste att tänka på när det gäller ljudbilden för livespelad orkestermusik är positioneringen. Det är inte så mycket i övrigt jag behöver göra om det är inspelat på rätt sätt. Det är mest småjusteringar som att rensa upp i basregistret med en eq.
 
Isabelles boktips
1. On the Track: A Guide to Contemporary Film Scoring (Karlin, Fred & Wright, Rayburn, 1994)
2. Complete Guide to Film Scoring: The Art and Business of Writing Music for Movies and TV (2010)
3. Film, a Sound Art (Michael Chion, 2009)
4. Overtones and Undertones: Reading Film Music (Brown, Royal S)

Boken On the Track kan vara en bra ingång till att skriva för film.

Tips: Läs också artikelserien Så blev Isabelle framgångsrik inom spel- och filmmusik.